lunes, 19 de septiembre de 2016

Más allá de la linealidad del relato


Mihaela Radulescu/19.09.16
El texto literario, cuando cruza las fronteras de lo verbal, puede ser el inicio de expresiones que reinician el núcleo semiótico del texto para generar nuevos recorridos, condensados semánticos que pueden ser un cuadro, una escultura, un video, una pieza musical. Se establece en consecuencia una intersemiótica.
Un ejemplo clásico es la escultura de Laocoonte, siguiendo el relato de la mitología griega. La pregunta es: ¿ Qué escena escoger y cómo sintetizar reuniendo en su conjunto los rasgos narrativos y discursivos que aparecen en la linealidad del relato?
El relato se refiere a un episodio de la guerra de Troya, cuando los griegos engañaron a los troyanos con un caballo de madera como regalo, en el cual se escondieron para ingresar a la ciudad y conquistarla desde adentro.
“Un magnífico caballo, todo de madera.
Los troyanos lo rodean, contemplándolo.
Sólo Laocoonte mira suspicaz esa ofrenda abandonada por los griegos en la costa.
El sacerdote aconseja a los troyanos que no acepten pues sospecha que allí hay una traición. Queriendo probar lo que dice lanza un dardo contra el caballo: el impacto produce un sonido hueco. Laocoonte propone que quemen el caballo, pero nadie le hace caso. Todos creen que los griegos desean la paz y que han dejado el caballo en la playa para propiciarse a Neptuno (Poseidón) y así tener vientos marinos favorables.
Diez años antes, cuando los griegos desembarcaron en Tróade, los troyanos habían matado a su sacerdote de Neptuno, acusándolo de no haber hecho sacrificios que agradasen al dios. Ahora pedían a Laocoonte que ocupase el lugar del sacerdote muerto.
Laocoonte aceptó la designación: era inútil seguir previniendo a sus compatriotas con respecto al caballo. Se preparaba para inmolar un toro gigantesco, cuando dos serpientes salieron del mar y se lanzaron sobre los hijos del sacerdote, queriendo ahogarlos. Laocoonte corrió a salvarlos y resultó muerto.
En todas las mentes surgió el mismo pensamiento: Laocoonte había muerto por oponerse a la aceptación del presente. Había sido impío y en su muerte recibía el castigo: un motivo más para aceptar el regalo.
Caía la noche cuando el majestuoso caballo entró al interior de las murallas, llevando consigo la destrucción de la ciudad.”
Y la obra más conocida inspirada en el relato:
 
Obra del siglo I d. C., de los artistas Agesandro, Polidoro y Atanadoro, de la Escuela de Rodas. Pertenece a la última etapa de la escultura clásica griega, el llamado período helenístico.
Se supera las secuencias del relato escogiéndose una escena, centrada no sólo en el acto propiamente dicho sino en el carácter y la sensibilidad del personaje. Al respecto, los comentarios de Winckelmann, publicados en 1764 en su renombrada Historia del Arte de la Antigüedad:
«Laocoonte nos ofrece el espectáculo de una naturaleza sumergida en el más vivo dolor bajo la imagen de un hombre que reúne contra sus ataques toda la fuerza de su alma. Mientras sus sufrimientos hinchan sus músculos y contraen sus nervios, veis su espíritu armado de fuerza resplandecer sobre su frente surcada y su pecho, oprimido por la violenta respiración y la contracción cruel, elevarse con esfuerzo para contener y concentrar el dolor que lo agita. Los gemidos ahogados y el aliento retenido extenúan la parte inferior de su cuerpo, hunden sus flancos, lo cual nos deja ver, por así decir, sus vísceras. Sin embargo, sus propios sufrimientos parecen afectarle menos que los de sus hijos, que elevan los ojos hacia él implorando su ayuda. La ternura paternal de Laocoonte se manifiesta en sus miradas lánguidas: la compasión parece flotar sobre sus pupilas como un sombrío vapor. Su fisonomía expresa las quejas y no los gritos, sus ojos dirigidos hacia el cielo imploran la ayuda suprema. Su boca respira la postración y el labio inferior que desciende está agobiado por ella; pero en el labio superior levantado su postración está unida a una sensación dolorosa. El sufrimiento, mezclado de indignación por el injusto castigo, sube hasta la nariz, la hincha y estalla en las aletas dilatadas y levantadas. Bajo la frente se representa con la mayor sagacidad el combate entre el dolor y la resistencia que están como reunidos en un punto pues, mientras que aquél le hace levantar las cejas, ésta comprime la carne sobre el ojo y la hace descender sobre el párpado superior, casi, enteramente cubierto por ella. El artista, al no poder embellecer la naturaleza, se ha aplicado a darle más contención, más vigor: allí mismo donde ha puesto el mayor dolor se encuentra también la belleza más alta. El costado izquierdo, en el cual la furiosa serpiente arroja por la mordedura su veneno mortal, es la parte que parece sufrir más debido a la proximidad del corazón, y esta parte del cuerpo puede decirse que es un prodigio del arte. Quiere levantar las piernas para sustraerse a sus mandíbulas. No hay parte alguna en reposo. El mismo toque del maestro contribuye a la expresión de una piel entumecida.
El carácter general en que reside la superioridad de las obras de arte griegas es el de una noble sencillez y una serena grandeza, tanto en la actitud como en la expresión. Así como las profundidades del mar permanecen siempre en calma por muy furiosa que la superficie pueda estar, también la expresión en las figuras de los griegos revela, en el seno de todas las pasiones, un alma grande y equilibrada.
Tal es el alma que se revela en el rostro de Laocoonte (y no sólo en el rostro) dentro de los más violentos sufrimientos. El dolor, que se manifiesta en cada uno de los músculos y los tendones del cuerpo y que, aún sin considerar el rostro y las restantes partes, se cree casi sentir en uno mismo a la sola vista del bajo vientre dolorosamente replegado; este dolor, decía, no se exterioriza, sin embargo, en el menor rasgo de violencia en el rostro ni en el conjunto de su actitud. Laocoonte no profiere los horrísonos gritos de aquel sacerdote al que cantó Virgilio: la abertura de la boca no lo permite; se trata más bien de un gemido angustioso y acongojado como el que describe Sadoleto en De Laocoontis Statua. El dolor del cuerpo y la grandeza del alma están repartidos, y en cierto modo compensados, con el mismo vigor por la entera estructura de la figura. Laocoonte sufre, pero sufre como el Filoctetes de Sófocles: su miseria nos alcanza hasta el alma, pero desearíamos poder soportar la miseria como este gran hombre.
Ante el espectáculo de este prodigio del arte, olvido todo el universo; yo mismo tomo una posición más noble para contemplarlo con dignidad. De la admiración paso al éxtasis. Embargado de respeto, siento mi pecho que se dilata y se eleva, sensación que experimentan los poseídos por el espíritu de las profecías. ¡Cómo poder describirte, oh inimitable obra de arte! Haría falta que el Arte mismo se dignara inspirarme para conducir mi pluma.»
Otras expresiones:
 
Laocoonte, El Greco (1604-1614)
 
Andreu Alfaro Laocoonte. Alle Origini dei Musei Vaticani. Musei vaticani, Ciudad del Vaticano, 18 noviembre -28 febrero,2007
A diferencia de la pintura y de la escultura, el video dispone de una secuencialización , que no necesariamente debe respetar las secuencias del relato.
El director de cine Lars Von Trier lanzó en 2012 un proyecto participativo llamando a artistas aficionados de todo el mundo para que reinterpreten a través de algún soporte visual o sonoro en grabaciones que no vayan más allá de los cinco minutos seis obras maestras, que corresponden a las seis disciplinas descritas por Hegel en su teoría estética : “Ulises”, de James Joyce, “ El padre”, de August Strindberg, la pintura ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, de Paul Gauguin, la Sonata en A mayor para violín y piano: 1 Allegreto leg moderato, de César Franck,  el hipnótico baile de Sammy Davis Jr, en Coreografía, de 1969 y la tribuna del estadio de Núremberg, a cargo del arquitecto Albert Speer, en el que se celebraron los multitudinarios mítines de Hitler. Previa selección se realizó una obra colectiva llamada Gesamt ( todo, entero, íntegro en alemán), producida por el Festival de Arte de Copenhague. El nombre hace alusión a la suma de artes propia de la tragedia griega. Los participantes enviaron sus participaciones  a través de la web del proyecto: Gesamt.org. Se recibieron 501 participaciones de 52 países. Fueron seleccionadas 142.
Un ejemplo: la interpretación del soliloquio de Molly Bloom de Ulises de James Joyce, dirigida por  Leo Spauls .
Leo Spauls "Molly Bloom" from Lars von Trier's GESAMT
https://www.youtube.com/watch?v=vlMv645135c
El proyecto- que apela a las estrategias del crowdfunding – propone la deconstrucción y reconstrucción de la estructura semio-narrativa de las obras, en un registro expresivo nuevo, que plantea sus propias condiciones. Algunas otras propuestas: Britt Hansen, estudiante de cine danesa de 21 años, filmó una breve historia de tres minutos en la que se adentra en el cuadro de Gauguin; otros crearon  objetos fílmicos inspirados en la obra de Speer.
¿ Qué videos , siguiendo el mismo procedimiento de deconstrucción-reconstrucción  de una obra con lenguaje diferente, se conocen?
En el cine, podría recordarse, por la distancia que toma, la película “Blow Up” de Antonioni, inspirada en el relato de Julio Cortázar “Las babas del diablo”, que apareció en el libro “Las armas secretas”.
Finalmente, la imagen puede poner de manifiesto un relato implícito, no escrito, como el que está incluido en las secuencias de la muestra fotográfica “Havana” de Micheal Eastman.


lunes, 12 de septiembre de 2016

Hablemos de video arte (1)


Mihaela Radulescu/12.09.16
Desde Nam June Paik, considerado el padre del video arte, participante en Fluxus, las posibilidades del video arte van  desde el experimento de lenguajes hasta la diversidad de poéticas.

 
Negar Behbahani, Agony; Never Ending, 2009.
El lenguaje  del video arte  se inicia en las vanguardias  del arte y del cine – “Destino” de Salvador Dalí o Alfred Hitchcock con “Recuerda”- en cuyas corrientes desarrolla sus componentes hasta la definición de su propia instancia tecnológica y comunicacional. Se  vincula con el arte cinematográfico y el arte por lo general: un ejemplo sería los videos performance de Marina Abramovich.

Sus prácticas significantes ponen de manifiesto una semiosis que pretende escapar de la organización tipificada del mundo de los signos, un terreno que el cine experimental explora,  como David Lynch – “Cabeza Borradora” o Peter Greenaway – “Los libros de Próspero”. 
 
David Lynch – “Cabeza Borradora”
 
Peter Greenaway – “Los libros de Próspero”.
Se generan representaciones con nuevas posibilidades de articulación y combinación en el  espacio de una producción en la intersección de los géneros, cuyas significaciones participan tanto el emisor como el receptor: por ejemplo en  Lars Von Trier – “Cinco Obstrucciones”; Derek Jarman – “Blue”.
La modalidad creativa del collage es un recurso frecuente; es evidente en la estrategia del stop motion en la obra de Peter Greenaway y Louis Andriessen “M es para el hombre, la música, Mozart”.

Podemos hablar del rol de la yuxtaposición en la creación de una imagen plural, polifónica. María Cañas, por ejemplo, hace una manipulación y yuxtaposición de imágenes de ficción y documental, programas de televisión, publicidad o vídeos domésticos, en lo que ella llama canibalismo iconográfico.

 
María Cañas | The Toro's Revenge | Davis Museum | The Davis Lisboa Mini-Museum of Contemporary Art http://www.youtube.com/watch?v=RF701IPxrko
El video arte es campo de innovaciones, como la alteración de los sistemas de signos  de “Expanded Cinema” (Cine Expandido): en 1993, por ejemplo Douglas Gordon modificó “Psycho” de Alfred Hitchcock, para 24 horas, alterando  el ritmo de las imágenes.
¿En qué consiste esta alteración? Es un interesante campo de exploración, que tiene que ver con la multiplicidad de las miradas.
Otras líneas de acción podrían verse en : 
·      Bill Morrison: Light Is Calling (2004). Usa imágenes de  The Bells, un melodrama de época(1926, James Young): figuras anónimas,  con gestos y movimientos que han dejado de tener sentido,"sombras de momentos" congelados en el tiempo. Se ralentiza la imagen: la velocidad de proyección es hasta tres veces más lenta que la de la película original.

 
·        Morrison:Decaysia (2002). Una colección de films antiguos  a base de nitrato, cuyas  diversas formas de sufrimiento se evalúan en interacción con la música compuesta por Michael Gordon. Trata sobre el estado de descomposición de nuestras imágenes. La gente se presenta en diversas etapas de éxtasis. Los cuerpos se pudren pero los espíritus trascienden.
 
·         Stills From (nostalgia)de  Hollis Frampton:  fotografías quemándose lentamente una a la vez sobre una placa caliente. En la banda sonora, se escucha el comentario  de Frampton sobre  la siguiente fotografía, con una ruptura entre  sonido e imagen.
 
·        “Shirley, visions of reality” (2013), Gustav Deutsch: El cineasta austríaco se sirve de la recreación de 13 cuadros de Edward Hopper para tejer una historia que, guiada por los noticiarios radiofónicos y los monólogos internos de Shirley, no termina de funcionar.
 
En la dimensión transversal de las transformaciones del video arte , se encuentra una vocación de diálogo que invita a re-plantear la relación del ser humano con el conocimiento, concebido como necesidad e impulso.El arte del video ha generado una gran diversidad de  audiovisuales  cuyos componentes discursivos asumen un distanciamiento frente al relato cinematográfico; como en la manera en que se aprovecha la memoria colectiva para crear “máquinas de sueños” (Nicolas Provost: Stardust).
 
Su  fuerza comunicativa  radica esencialmente en la generación de inferencias.
¿ Qué inferencias se generan con “Angel Soldier” de Lee Yong Baek?
 
https://www.youtube.com/watch?v=GyQGwkxllXo

lunes, 5 de septiembre de 2016

El arte de la referencia


Mihaela Radulescu/5.09.16
El video arte ejerce una subjetividad representada que  roge el acto de enunciación , como resultado del  uso enfático de la autorreferencialización. Incluso cuando tiene al origen otro texto – verbal, icónico, pictórico, musical – el video arte no lo sigue literalmente, sino entabla un diálogo, mostrado o supuesto, que no es la ilustración audiovisual del texto –origen. 
Lo que se vuelve atractivo es este mismo carácter dialógico, que se toma mucho más libertades que las películas que llevan a la pantalla un libro, por ejemplo. El carácter dialógico nos implica a recorrer el camino entre los dos textos-discurso, compararlos, extraer contenidos, experimentar diferentes sensaciones.  La pregunta es ¿en ausencia de un diálogo visible, el video arte sigue despertando el interés? Probablemente, hay que asegurar las dos lecturas, la de la intertextualidad, para quienes conocen la fuente, y una lectura basada en el texto-discurso del video arte que debe entablar otros diálogos intersubjetivos de índole cultural, o psicológica o estética con el observador.
Aunque no es un video arte, el siguiente ejemplo de una película de Peter Greenaway, realizada a partir del Infierno de Dante , muestra esta situación ( además, usa el lenguaje experimental, propio del video arte) . Las referencias son conceptuales, pero suficientes para entablar diálogos de varios tipos: con el libro de Dante, con nuestra idea de infierno, con el imaginario híbrido y polifacético de la cultura actual, particularmente a través de sus manifestaciones visuales.



 
Dante_El  Infierno, "A_T.V. Dante" ( Peter greenaway & Tom phillips_1993) subtitulado en español.
https://www.youtube.com/watch?v=Ardu2LeUR8s
La construcción compositiva resalta el carácter híbrido del imaginario colectivo y las referencias se dinamizan, creando estructuras de diálogo en el mismo espacio fílmico.
Las referencias puede ser también de universo a universo. Es el enfoque del director de video arte, videos musicales  y publicidades, Chris Cunningham.



The Work of Director Chris Cunningham – Trailer
Cunningham  crea universos con referencias literarias - JG Ballard, William Gibson- y  cinematográficas - Cronenberg, Lynch – y establece  vínculos referenciales sensoriales con la música. Sus referencias se enfocan en efectos y los recursos para conseguirlos.
. "El origen de mis ideas está en mis reacciones ante el sonido. Encuentro que el sonido es lo que dispara mi imaginación. Me pasé toda mi infancia tumbado junto a los altavoces con los ojos cerrados, escuchando música mientras imaginaba cosas, así que casi tengo una biblioteca mental de conexiones entre imágenes y sonidos". http://www.artfutura.org/02/arte_chris.html
Un eejmplo: Rubber Johnny, cortometraje del 2005 con un trabajo impresionante de  sincronización e imágenes vertiginosas;  filmado con cámara infrarroja. Música de Aphex Twin. Es representativo para su modo de ser parte de la  cibercultura, en la cual establece  sus vínculos referenciales.
¿ Cuáles serían los signos que remiten a esta cultura, en  Rubber Johnny, y otros videos que el realizó?

lunes, 22 de agosto de 2016

La dinámica del cambio en la ilustración actual

Mihaela Radulescu/22.08.16
La ilustración tiene una larga historia, relacionada con los murales y los libros, con los objetos de uso doméstico ( desde platos hasta muebles) con los textiles y finalmente con las películas de animación. Siempre hay cambios, que tienen que ver con las culturas, los tiempos y los espacios: cambios de soportes, de técnicas, de medios, de estéticas.
Los cambios o las transformaciones de la ilustración dejan intacto su poder narrativo y descriptivo, relacionado con su propósito principal: representar un mundo complejo a través de relatos simbólicos, que concentran la visión del mundo representado e intensifican la generación de sentido.
Entre los cambios que más ocurren actualmente están aquellos que optan por la hibridación de la imagen.

Un primer ejemplo: un libro ilustrado objetual y animado, que reúne los rasgos de un libro-objeto con la animación, cuya fuente es más antigua de lo que uno se imagina, pues tiene que ver con los aparatos que consiguen la ilusión de movimiento.




El libro puede conseguir la impresión de movimiento, sin dejar de ser un libro ilustrado:



JOHN MAYER - SUBMARINE TEST JANUARY 1967, MUSIC VIDEO by VIRGILIO VILLORESI




Un segundo ejemplo: la hibridación formal y conceptual. Bajo el nombre de “Popped Culture” (estética y libro publicado en colaboración con  Alex Konstad)  Dan Luvisi rediseña personajes de la cultura pop, de videojuegos, películas y series, llevándolos a un universo de terror.



Un tercer ejemplo: la hibridación de visiones del mundo. Virginia Mori aborda el universo infantil – juvenil con recursos estéticos y compositivos que trazan una semántica violenta de este universo.





Un cuarto y último ejemplo de hibridación: la intertextualidad, en la cual convergen elementos de varias imágenes, como en las obras del  ilustrador italiano Emmanuel Viola.




¿Qué otros cambios se registran en la ilustración actual?